Ashka

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Fix your hearts or die ! What I fear most is the possibility that love is not enough. J’aime bien les flims et le jeu vidéal Tchou tchou Rocket Ex Nolife Insta : @jacasses

C’est bien sûr très limité d’un point de vue budget et mise en scène mais il se dégage de cette adaptation russe de La Petite Sirène une doux parfum de rêverie, respectant l’aspect conte merveilleux. C’est très naïf mais ça marche complètement.
D’ailleurs, j’ai le sentiment que certains choix esthétiques et de mise en scène on probablement dû servir d’inspiration pour le dessin animé de Disney.

Keyart de Duck Detective : The Secret Salami

Menu d’un restaurant conçu par intelligence artificielle montrant pizza et focaccia horriblement artificielles.

Passé une très chouette première heure, portée par un super rythme et une direction artistique très soignée, le film retombe dans un conformisme du film de super héros.
Après la fuite des grosses patounes de Galactus, le film peine à tellement passionner. Jamais mauvais mais jamais excellent, ces 4 Fantastiques font le taf, mais pas beaucoup plus.
En ressors une belle DA et une musique de Michael Giacchino parmi les meilleures BO du MCU.

Tellement triste de voir qu’un film comme Thunderbolts* n’ait pas eu le succès qu’il méritait tant celui-ci surnage par rapport à la majorité des productions du MCU.
Je renouvelle tout le bien que je pense de ce films de misfits, de bras cassés qui se serrent les coudes, moins pour sauver le monde que pour surmonter leur dépression, le manque d’estime de soi, et les problèmes de santé mentale comme la bipolarité.
Voir un blockbuster de super-héros avoir un sujet, notamment autour de la santé mentale, traité avec intelligence et autant de justesse, ça force le respect. De fait, il est (pour moi) un des meilleurs films de la saga, une joyaux fragile et imparfait mais que je ne cesserai de défendre corps et âme.
Thunderbolts* est ce câlin qui fait du bien quand tout s’assombrit autour.

Après une trilogie réalisée par Jon Watts complètement alourdie par la présence, puis l’héritage de Tony Stark puis écrasé par le poids du fan service, on était assez curieux de découvrir la nouvelle aventure de la sympathique araignée du quartier. Premièrement par la présence à la réalisation de Destin Daniel Cretton qui a proposé les très réussis Shang-Chi et Wonder Man pour Marvel, ensuite parce que le set up proposé à la fin de No Way Home faisait revenir un Spider-Man comme on l’aime. Plus dans la galère, solitaire et moins assisté par les milliards de Stark.
De ce postulat, on peut regretter qu’il n’en reste plus grand chose car tout ce qui a trait à sa situation économique est complètement éludée. En revanche, l’isolement du personnage est véritablement le cœur narratif du film. Les thématiques autour de la solitude, de la perte de proche sont vraiment chouettes, bien traitées tout au long du film et se font échos entre le héros et l’antagoniste.
Globalement le film est très agréable mais pas totalement abouti, notamment trop long, n’arrivant pas toujours à complément emporter émotionnellement le spectateur, avec une photo pas très belle et sous éclairée.
Ce qui fait plaisir, c’est d’enfin voir un film Spider-Man qui tourne autour du personnage, de sa dualité avec la personnalité secrète et non un faire valoir pour d’autres personnages gravitant autour de lui.
C’est loin d’être parfait mais je pense que c’est le meilleur film live Spider-Man depuis Spider-Man 3.

C’est très mal écrit, les acteurs sont nuls, même Carl Weathers en fait trois fois trop, ça explore plein de pistes sans jamais aller nulle part avec un rythme pachydermique. Cependant, il se dégage du film une atmosphère de vacances plutôt chouette, d’autant plus qu’il fait quelques écarts vers le conte de fée le rendant dnautabt plus charmant. Tout comme les effets spécieux réalisés par la Tsuburaya qui sont très visibles mais délicieusement désuets. En revanche, je ne comprends pas le perso de Carl Weathers, un scientifique de formation, qui lorsqu’il découvre l’existence d’une tortue géante a pour première réaction de vouloir la defoncer à coup de bazooka.

Moins pénible que dans mon souvenir au cinéma mais indigne d’une productions avec un tel budget.
Rythme plan plan, monté à l’arrache, aux VFX infects et plombé par un comédien principal antipathique au possible.
Thématiquement, le film bégaye les enjeux de la série Le Faucon et le Soldat de l’Hiver, et narrativement il ne fait que combler les trous laissés par un film oublié de tous depuis 16 ans et exploité à peine un événement aux proportions titanesque de Les Éternels comme si ce n’était qu’une simple découverte d’un gisement de pétrole afin de préparer l’arrivée des futurs X-Men.
Un film Captain America sacrifié sur l’autel d’un MCU qui cours dans tous les sens comme un poulet sans tête et qui tente en vain de colmater les fuites d’un navire qui prend l’eau de toute parts.

À la revoyure, je pense sérieusement que c’est mon film du MCU préféré.
James Gunn a les mains totalement libres et livre une spectacle roboratif sur tout les plans. Visuellement super soigné, ce 3e Gardiens alterne, avec un équilibre délicat et maîtrisé, action débridée, humour farfelu et en même temps lourdingue, gravitas bien vu et émotion à fleur de peau. Faisant de Rocket le cœur émotionnelle et narratifs de son film, Gunn réalise un spectacle qui parle à la fois des liens familiaux, de l’acceptation de ses défauts plutôt que de poursuivre une perfection illusoire, et développe un beau discours antispéciste.
Quand un film est aussi divertissant, sérieux et profond malgré l’humour et la légèreté, et qu’il arrive à me faire couler les larmes 2-3 fois au troisième visionnage, c’est que c’est un carton plein.
Le seul petit regret que j’aurai c’est qu’il n’ait pas eu le courage de faire mourir son personnage principal, peut-être l’une des seules conditions que Gunn a dû concéder à Kevin Feige.
Un film à la fois, spectaculaire, malin, divertissant, émouvant et qui a le cœur au bon endroit.

Lorsque l’auteur de Shaolin Soccer s’attaque au mythe de la sirène, il ne faut pas s’attendre à un film d’une très grande finesse. Mais tout comme son film sur le football, si l’humour gras et très enfantin tient le haut de l’affiche, The Mermaid a le cœur au bon endroit.
Le film raconte la lute d’un groupe de sirènes prises au piège dans une épave à cause de sonars installés par un magnat de la finance et qui envoient Shan, l’une des leurs, pour le séduire, se rapprocher de lui et le tuer. Mais lorsque les apparences de nouveau riche cynique tombent et dévoilent le cœur d’un ancien prolo, prêt à entendre raison, Shan tombe amoureuse et est prête à lui laisser le bénéfice du doute.
Si The Mermaid déploie parfois de jolis effets spéciaux, il a tout de même pris un sacré coup dans l’aile au niveau des VFX, et qui devaient déjà pas mal jurer à l’époque. En revanche, et même s’ils piquent la rétine, les idées de scénographies, de mise en scène et le propos qu’ils sous-tendent font qu’ils sont toujours efficaces. D’autant plus que la direction artistique criarde donne au film un côté coloré et acidulé qui fait énormément plaisir à voir.
The Mermaid est un film qui ne se cache pas, qui n’a pas peur de son discours en édulcorant son propos. Quitte à être naïf, Stephen Chow y va à fond, que ça soit dans les bons sentiments et l’humour potache que dans l’exposition de la réelle violence du capitalisme sur la faune, la flore et son mépris de tout humanisme et considération écologiste. Le dernier acte déploie des trésors d’idées, de moments de bravoure mais aussi d’une brutalité assez estomaquante, qui prend de court par sa frontalité et sa présence dans ce qui s’apparente à une comédie grand publique.
The Mermaid est une réjouissante comédie burlesque, il est vrai un peu grasse, mais aussi violemment anticapitaliste doublée d’une fable écolo, naïve et colorée. Un vrai plaisir !

Capture d’écran de mon billet numérique de L’Odyssée en IMAX 70mm

Deuxième et dernière collaboration entre Spielberg et Tom Cruise, cette adaptation de La Guerre des Mondes de H.G. Wells permet au réalisateur de la Liste de Schindler de livrer son film le plus sombre à date, pas le plus lourd par rapport à son sujet mais son plus sombre et dépréssif. Fortement marqué par les attentats du 11 septembre, Spielberg fait le récit d’un père absent, un homme/enfant irresponsable, obligé par par les circonstances d’une invasion extraterrestre de prendre son rôle de père protecteur.
Utilisant à de nombreuses reprises le motif du cercle afin de symboliser la cellule, qu’elle soit biologique ou familiale, Spielberg intime ses personnages et spectateurs y trouver le salut face à une menace extérieure et à une structure en déclin. La Guerre des Mondes est son film le plus insidieusement politique, une vision pessimiste de la destruction de la cellule familiale et par extension de la nation américaine, frappée en son cœur dont les institutions politiques se gangrènent. Malgré toute la noirceur du récit, celui-ci s’achève malgré tout sur une note optimiste avec une voie vers un espoir de rémission des maux.
Convoquant des images du 11 septembre, de la Shoah, des populations forcées à l’exode, d’épurations, il fait de sa Guerre des Mondes la synthèse des guerres d’un monde, son œuvre la plus oppressante, un film d’horreur spectaculaire et intime.

Alors oui, c’est très mignon, ça se laisse suivre sans problème, c’est rigolo et adorable, mais jamais un film de Spielberg ne me laisse indifférent comme le fait Le Terminal. C’est pas mauvais du tout mais je n’en ai strictement rien à faire ! Le film le plus OSEF de la carrière de son réalisateur.

Sur la droite d El’image ok f voit une fille sortir d’une pièce. L’image est en bichromie rose et bleu/gris foncé.
Le titre est au milieu de l’image

Key art de StarFox sur Switch 2
On voit l’équipe StarFox à droite : une grenouille, un faucon, un renard et un lièvre portant des tenues de pilotes.
Le fond stylisé et orange, on y voit les vaisseaux arwings s’envolant vers le coin haut supérieur gauche. Le titre en bas à gauche.

Apres son somptueux diptyque science-fictionnel, Spielberg se replonge dans le passé avec le portrait de Franck Abagnale, faussaire de génie, précoce, et sa relation avec Carl Hanratty, agent du FBI à ses trousses pendant plusieurs années.
Après la perte de son innocence et la désillusion suite à la séparation de ses parents, Abagnale, plutôt que de révéler sa vie, décide de vivre sa vie rêvée. Ayant subit son déclassement social comme une injustice, il décide de contourner la justice elle-même pour monter à nouveau l’échelle sociale en fuyant une réalité trop dure à accepter et en inventant sa propre histoire. Arrête-moi si tu peux est très beau film, solaire, sur le passage à l’âge adulte, la recherche de soi et d’un figure parentale. 2h20 d’un jeu de chat et la souris réjouissant, qui passe à toute vitesse, parsemé de très beaux moments, touchants, amusant, et illuminé par des numéros d’acteurs délicieux où tous les comediens proposent l’une de leurs plus belles prestations.
Peut-être le meilleur film mineur de son réalisateur, mais un film sacrément au dessus du tout venant cinématographique qui a en plus la chance d’être illustré musicalement par un des plus beaux score de John Williams.

Lors qu’ils sort après 15 ans de prisons pour un braquage qui a mal tourné, Anker retrouve son frère Manfred à qui il a confié la tâche de cacher son butin avant de se faire coffrer. Cependant, Manfred est atteint d’un trouble dissociatif de la personnalité et se prend pour John Lennon. À l’aide d’un psychiatre, Anker va chercher un moyen de retrouver la personnalité enfouie des Manfred afin qu’il puisse le permettre de remettre la main sur le magot.
Très cool comédie noire qu’il faut imaginer comme une espèce de Rain Man mais écrite et réalisée par les frères Coen à la sauce nordique.
C’est drôle, c’est noir, c’est violent, c’est touchant.
Derrière cette histoire d’argent planqué et de magouilles dévoile petit à petit un film sur les secrets enfouis, la violence intra-familiale mais surtout sur l’acceptation de soi mais surtout des autres. Un accueil pour ce qu’ils sont ou ce qu’ils aimerait être, de la manière qu’ils se perçoivent, peut importe leur singularité et leur bizarrerie.
Porté par des acteurs impeccables, drôles et touchants, mais surtout par un Mads Mikkelsen dans une performance étonnante.
Une bonne petite surprise.

Sympathique thriller horrifique en found footage par l’un des créateurs de Grave Encounters.
C’est vraiment bien fout, écrit et mis en scène de façon très accrocheuse, l’enquête est prenante, et les passages visuellement explicites sont vraiment forts et craspecs.
En revanche, si le film s’achève sur une botte visuellement spectaculaire, plutôt rare pour le genre, on peut regretter que l’histoire se termine en queue de poisson. Je suis d’accord pour laisser zones d’ombres et des choses en suspens, mais là, le film en laisse trop peu et se révèle trop frustrant pour être pleinement satisfaisant. J’ai le sentiment que les auteurs forcent pour développer l’histoire dans une ou plusieurs suites.
Dommage, en revanche, cette déception finale n’entache pas pour autant le plaisir du reste du métrage.

J’aurai voulu êtres transporté par L’Odyssée de Christopher Nolan.
Si j’ai bien aimé au global, j’en suis ressorti mitigé. Notamment durant ses deux premiers tiers, la partie du récit de Ulysse que j’attendais le plus est celle qui m’a le moins intéressée. Son traitement visuel du cyclope est intéressant mais sa mise en scène gâche tout son potentiel, tout comme les sirènes ou Charybde et Scylla qui sont expédiés. En revanche, tout n’est pas déceptif puisque Nolan propose des passages absolument saisissants à l’image de la rencontre avec Circé ou lors du voyage de l’équipage au royaume des morts. Des séquences visuellement stupéfiantes, au delà du réel, s’approchant du cinéma d’horreur et du body horror.
Contrairement ces deux premiers tiers que j’attendais beaucoup (trop, peut-être) c’est la partie du récit que j’attendais le moins qui m’a captivée comme rarement. C’est dans la dernière ligne droite que le film dévoile le fond de ses thématiques, de ses enjeux émotionnels et dramatiques que le Nolan m’a saisi, ému, tenu en haleine. Prolongement thématique de son précédent Oppenheimer en faisant de son Ulysse, un destructeur de monde, cette fois-ci au cœur de la détonation qu’il a déclenché, pour qui le chemin du retour est un parcours, non de rédemption mais de prise de conscience, et d’expiation pour les âmes perdues.
J’admire l’ambition de la reconstitution malheureusement la mise en scène de Nolan ne mets jamais en valeur sa puissance visuelle. Le film manque cruellement de viceralité lors de ces moments de bravoure, où le spectaculaire et l’effroi ne devraient faire qu’un, en revanche, les moments où l’intime se joue, où les failles se dévoilent, où les hommes acceptent leurs faiblesse, leurs erreurs, leurs bassesses, c’est là où L’Odyssée déploie toutes sa rage, sa passion, son émotion.
À la foi déçu et enthousiasmé, L’Odyssée de Christopher Nolan est de ces films qui aura besoin de plusieurs visionnage pour que je fixe clairement mes impressions.

Carte du système solaire de Lylat avec toutes les planètes/niveaux du jeu avec toutes les médailles en mode standard et en mode expert obtenues.

Photo de Havey Dent dans The Dark Knight avec sa phrase : You either die a hero or you live long enough to see yourself become the villain.

Quel plaisir d’enfin pouvoir revoir Kill Bill au cinéma plus de 20 ans après sa sortie originale. L’expérience de voir le film dans sa version intégrale est une expérience assez folle et je suis vraiment heureux d’avoir pu le vivre.
En revanche, pour les prochaines fois, je resterais sur la version en 2 films. Parce que scinder le film en deux permet de le faire respirer et mieux apprécier le changement de ton entre les deux volumes.
Au niveau des ajouts, la séquence de baston contre les Crazy 88 en version non censurée est top, en revanche les minutes d’animation supplémentaires durant la séquence de flashback du perso de O-Ren Ishii alourdissent vraiment la séquence, et bien évidemment la séquence en post générique réalisée avec le moteur de Fortnite et à la fois nulle et parfaitement inutile.
En revanche et au global, quel putain de plaisir. Ça reste encore mon film de Tarantino préféré. Du cinéma total qui a beau citer à tout vas (chambara, arts martiaux, gialo, western, yakuza eiga, blacksploiration, kaiju eiga, etc…), il est bien plus qu’une addition de ses références mais un concentré, un substrat qui a sa propre saveur, sa propre influence et a infusé le cinéma depuis plus de 20 ans. L’impact est toujours aussi phénoménal et me fait vibrer comme jamais, m’amuse, m’excite, me stimule et me fait pleurer comme rarement.
Tout ce que j’aime voir au cinéma, condensé dans 4h35 qui passent à la vitesse de l’éclair. Un immense film.

Les Moutons Détectives est un projet un peu fou puisqu’il met en scène un groupe de moutons qui vont mener l’enquête afin de résoudre le meurtre de leur berger incarné par Hugh Jackman. Déjà que le pitch est farfelu mais séduisant, en plus le film réalisé par Kyle Balda, metteur en scène des deux premiers Minions et Moi, Moche et Méchant 3, produit par Phil Lord et Chris Miller et écrit par Craig Mazin, l’auteur de la série Chernobyl et de l’adaptation de The Last of Us pour HBO.
Une sacrée équipe derrière ce spectacle familial, d’autant plus qu’elle s’est donnée du mal tant le film, sans être transcendant, et fait avec soin. Les Moutons Détectives est le film familial dans ce qu’il a de plus noble, accessible et divertissant pour les petits, touchant et suffisamment bien chiadé pour les grands. C’est didactique sans jamais prendre ses spectateurs pour des idiots tout en gardant un ton léger sans se priver un peu de profondeur dans ses thématiques. Car derrière ce murder mystery laineux, le film parle de maltraitance animale, de discrimination sociale et de déterminisme ainsi que de l’importance d’accepter le deuil ou les expériences, qu’elles soient bonnes ou douloureuses, parce qu’elles forgent les individus.
Absolument charmant et adorable tout en étant intelligent et émouvant. Une belle petite réussite.

Difficile de savoir par quel bout appréhender un film comme Minority Report. Film monumental qui lie comme jamais le pur divertissement Spielbergien à son pan plus réflexif, angoissé et sombre.
Derrière cette SF adaptée de Philip K. Dick, on a droit à un film protéiforme mêlant action et humour, aventure et thriller paranoïaque. Avec Minority Report, Steven Spielberg livre son film hommage au cinéma de Alfred Hitchcock, un hommage va jusqu’à la partition de John Williams qu’on croirait sortie des compositions de Bernard Herrmann.
Le film est d’une richesse folle, les images nourrissant les thématiques qui à leur tour nourrissent les images. Images qui sont sans cesse manipulées par les personnages, comme un réalisateur et un monteur sur le banc de montage tentant de donner un sens à un flot de vidéos chaotique. Des images qui ne cessent d’êtres scrutées à l’endroit, en marche arrière, à l’envers, observées à travers des miroirs. Spielberg joue constamment avec les miroirs, les reflets, les transparences, la superposition des images, demandant constamment aux spectateurs de remettre en question le sens, la véracité de ce qu’il voit.
Une remise en question qui devient éminemment politique lorsque le film met en doute les institutions qui sont sensés protéger la population, la possibilité du choix par rapport au déterminisme. Des thématiques et une approche de la science-fiction qui était précurseur et visionnaire ayant prédit le patriot act, les surveillances de masse, les voitures autonomes, les publicités ciblées.
Minority Report est un film passionnant qui peut être abordé par tant d’angles que ça en devient vertigineux. Mais avant tout, c’est un tre grand film de divertissement, au rythme fou, à l’intrigue ultra bien ficelée et à la mise en scène démentielle.
Une masterclass !

C’est très sympa mais probablement le plus faible de la saga.
L’artisanat de Pixar est toujours là, le film est d’une beauté dingue et la mise en scène enlevée. L’histoire est plutôt chouette avec un traitement du personnage de Bonnie, solitaire, limite neuroatypique, et sa difficulté à se faire des ami•es. Non, le problème est que la saga tourne un peu en rond sur les thématiques émotionnelles, les nouveaux personnages, aussi sympathiques soient-ils, ne sont pas si marquants, et le rythme est un peu trop monotone, pas lent mais il manque d’une variété, d’un véritable dynamise.
En revanche, si le film vaut d’être vu, c’est d’avoir fait de Jessie le personnage principal et qui trouvera enfin une paix par rapport à son traumatisme évoqué déjà depuis Toy Story 2. On aurait aussi pu craindre d’un discours boomer sur les nouvelles technologies, le film botte un peu en touche en rappellent les dangers du cyber-harcèlement, de l’importance de l’accompagnement parental mais aussi des capacités d’amusement de ces médiums ainsi que les nouvelles connexions sociales possibles.
Sympathique mais manquant d’originalité, boomer mais pas trop, ce Toy Story 5 est malgré tout recommandable mais est à l’opposé de ses personnages, incapable d’aller de l’avant.

Après l’excellent Vermines, Sébastien Vaniček et son co-scénariste Florent Bernard (ou FloBer) ont été appelés par Sam Raimi afin qu’ils puissent s’exprimer avec une grande liberté avec Evil Dead. Dans cette nouvelle itération d’attaque démoniaque bien énervée on suit Alice qui après avoir enterré son mari, doit se rendre dans la maison de sa belle famille afin de commémorer tous ensemble la mémoire du défunt. Cependant, des entités malfaisantes vont venir foutre un sacré boxon dans cette réunion familiale, faire ressortir les non-dits et régler quelques comptes dans un joyeux bordel bien vénère. Sacrément méchant et viscéral, cet Evil Dead Burn se rapproche plus de la brutalité du remake de 2013 que du gore à tout va de Rise. Attention, Burn est bien gore, parfois un poil trop gratuitement et à l’excès notamment dans une scène impliquant un pistolet, mais il mise plus sur son intensité ressentie que sur de la pure démonstration. Vaniček retrouve sa rage et son énergie qu’on avait pure démonstration découvrir dans Vermines, cependant, il la déploie en quasi non-stop pendant pas loin de 1h10-1h20 sur un film de 1h40. Le film est éreintant, fait mal, et propose quelques fulgurances de mises en scène assez folles, en particulier durant une séquence se déroulant dans une salle de bain. Le plus étonnant est que Evil Dead Burn, en plus d’être un ride horrifique puissant, il développe aussi des thématiques plutôt bien vues et exploitées a propos des violences intra-familiales et conjugales. Des thématiques qui ne sont pas juste un décorum puisqu’elles aboutissent à une résolution à la fois jouissive, rageuse et émotionnelle. Petite ombre au tableau, étant complètement HS en ce moment j’ai un peu piqué du nez. Attention ce n’est pas du tout de la faute du film mais de la mienne. Du coup, je ne pense pas avoir été capable de complément apprécier le film. Un second visionnage plus éveillé sera probablement l’occasion d’améliorer la note de ce très séduisant Evil Dead Burn.

Petit rewatch avant d’aller voir Evil Dead Burn.
Dans l’ensemble, j’aime bien, mais trop de défauts m’empêchent de pleinement apprécier la proposition.
J’aime beaucoup l’esthétique bien chiadée, les couleurs, la brutalité et quelques design bien dingo arrivant en fin de film. La performance tout en physicalité de Alyssa Sutherland est impressionnante.
En revanche, le film est diablement trop long et trop lent. Ses moments de furies sont amenuisés à cause du rythme, du montage trop saccadé ou interrompant trop les actions. Et la mise en scène manque profondément de viceralité. C’est bien emballé mais ça manque vraiment de folie. Folie que trouvera le réalisateur, Lee Cronin, avec son film suivant L’Éveil de la Momie.
Une bonne soirée film d’horreur/pizza mais ça ne va pas plus loin que ça.

The Death of Robin Hood dans son titre original qui ne fait pas de détour sur ses intention est une approche crépusculaire du brigand de la forêt de Shewood. Après une vie de violence, de vols et de méfaits en tout genres, Robin sait qu’il arrive au bout du chemin et n’attend qu’une chose, que quelqu’un arrive à mettre fin à ses jours. Après une bataille brutale, de laquelle il s’en sort victorieux mais gravement blessé, il va être recueilli dans un prieuré où il va penser ses son corps mais aussi son âme et chercher une autre voie pour trouver la paix.
Récit sur les récits et sur la tradition orale, le film explore la construction des mythes et la réalité qui existe derrière la légende. Fait le voyage introspectif aux côtés de personnages ayant tant vécu entourés d’histoires à leur sujet, qu’ils commencent à ne plus être certains de ce qui tient de la fiction ou des faits.
Outre sa dimension mythologique, le film explore les tourments intimes d’un personnage, superbement campé par un Hugh Jackman magistral, n’ayant existé qu’à travers la violence et qui, au crépuscule de sa vie, tente de trouver la paix, un pardon de soi qui passera d’abord par le pardon des autres et se poser la question de ce qu’il restera de nous après le trépas. Des thématiques que Michael Sarnoski explorait déjà dans ses précédents films, et c’est peut-être là que le film marque un peu le pas. Aussi beau, pertinent, parfaitement incarné et mis en scène, On l’appelait Robin des Bois est un poil redondant thématiquement dans la filmo du réalisateur et manque un peu de surprise pour ceux ayant déjà vu les excellents Pig et Sans un Bruit : Jour 1. Handicapé aussi par un rythme très lent qui peut faire décrocher à mi-film, ce 3e long métrage de Sarnoski est peut-être son moins impactant. En revanche, si vous ne connaissez pas le travail du réalisateur On l’appelait Robin des Bois est un film très intéressant, gris mais beau, brutal et sensible, imparfait mais séduisant.

Bien plus convaincu par ce deuxième épisode.
Après le premier volet et connaissant la nature de son protagoniste, le film n’essaie plus de jouer au plus malin et twist d’emblée son concept. D’entrée le film mets le spectateur ainsi que le personnage tenant la caméra dans la confidence et donc dans une position instable, trouble et arrive à bien se renouveler, explorant des thématiques et des situations malaisantes.
Une petite bouffée d’originalité dans la found footage, pas vraiment dans l’esthétique ou la mise en scène très (trop) classique pour se démarquer d’avantage, mais suffisamment bien écrit pour être marquant.

Pas convaincu.
J’ai trouvé le film trop prévisible au point où j’ai subis sa durée, pourtant courte, de 1h15 vraiment excessive pour le peu d’intérêt qu’il avait à proposer. Le jeu de chat et de la souris n’est pas si original ou prenant que ça.
Franchement, je ne comprends pas la hype autour de ce film et comment un second épisode puis une série a pu en découler.
Je ne pense pas que ça soit mauvais, mais ça ne m’a clairement pas plu.

$Lucien est un jeune freluquet sous la coupe d’une mère ultra autoritaire, mais Lucien est surtout coincé dans le placard et amoureux éperdu de Jim Parfait. Jim c’est un Gym Queen, influenceur muscu, gay jusqu’au bout des fibres musculaires. Mais son problème, autre que d’être un sale con nombrilisme, Jim est atteint de l’hétérose, une maladie qui se répand dans les communautés gay faisant basculer leurs porteurs en hétéro. Fini les abdos, le style et le clubing sur les podiums, bonjour les bides à bière, le foot et les fashion faux-pas. Jim va s’associer avec Lucien pour trouver la mystérieuse chloroqueer, un remède mystérieux contre cette pandémie. Ce pitch, c’est celui de Jim Queen, premier long métrage d’animation de l’excellent studio BobbyPills qui a de produit les excellentes séries Peepoodoo, Crysis Jung, Vermin ou encore Creature Commando. Pour leurs passage au long, il nous offre un récit d’émancipation, un parcours de personnage tout droit sorti des canons de Disney mais mâtiné à la sauce gay-super gay. Alors oui, le film se ferme peut être quelques portes en n’abordant pas toutes les communautés queer, mais en se concentrant sur la communauté gay, il s’autorise à en explorer beaucoup des aspects, avec beaucoup d’humour et de tendresse, sans négliger un peu de noirceur en égratignant les aspects moins reluisants en parlant des fractures sociales et communautaires. Rassembleur, le film l’est énormément grâce à une peinture hilarante de ses personnages et ces milieux, bourré de gags en très grande partie accessibles à ceux étrangers à ces codes. Et bien évidemment, le film est indubitablement politique en évoquant l’homophobie ordinaire, les thérapies de conversion, l’homo-nationalisme et prône une indispensable convergence des luttes. Solaire mais avec une touche de noirceur, hilarant et touchant, Jim Queen est une sacrée bouffée d’air frais, un film qui fout une banane folle. Le passage de BobbyPills au grand écran est une sacrée réussite.$